Архив за месяц Ноябрь 2015

Автор:pragmatik

Диего Ривера. Художники мира. Мексика

Диего Ривера. Художники мира. Мексика

Диего Ривера

8 декабря 1886 года Гуанахуато — 25 ноября 1957 года Мехико

 Диего Ривера – коренной мексиканец. Родился 8 декабря 1886 года в Гуанахуато на северо-западе Мексики. В 10 лет он начал обучение в Академии художеств Сан-Карло в Мехико.

С 1907-го по 1921 год юный художник путешествовал по Европе. Учился в академии художеств в Мадриде, жил и работал в Париже, посетил Италию, Бельгию, Нидерланды, Великобританию.

В это время складываются эстетические предпочтения художника, и его политические убеждения. В 1913 году между написанием «Портрета Адольфо Бест Могара» и картины «Поклонение Богоматери» совершился переход Риверы к кубизму, позже он оформился в зрелый авторский стиль.

Во время жизни в Париже Диего познакомился с Пабло Пикассо (говорят, что великий художник копировал «Сапатистский пейзаж» Риверы), Альфонсо Рейесом и русскими, не только художниками.

Например, он сводит знакомство с писателем Ильей Эренбургом и эсером-террористом Борисом Савинковым.

Была среди его русских знакомых и Ангелина Белова — талантливый гравер и красивая женщина. Мимо такого сочетания качеств титан мексиканской живописи спокойно пройти не мог, некоторое время они жили вместе. Но Диего Реверо никогда не был верным супругом, следующей его страстью стала художница Мария Воробьева-Стебельская. В итоге он не достался ни одной из них, но у каждой остался букет воспоминаний – от самых нежных до самых мрачных, была там и любовь, и поножовщина, и бурные сцены…
Пристрастие Риверы к женщинам, которых он «поглощал» в огромном количестве, художник получил прозвище Людоед.

Политические же искания страстного мексиканца привели его в 1922 году в коммунистическую партию Мексики.

Трудно сказать точно, что думал по поводу революционных событий художник. Но когда прокатилась волна погромов и «первое фресковое движение» захлебнулось, он был единственным художником, оставшимся в Мехико и продолжавшим создавать свои монументальные произведения. Коллеги ему никогда не простили этого, но ему ли было привыкать к сложным отношениям с людьми?

А вот отцом мексиканского движения монументализма он записан во всех энциклопедиях мира.

В 1927 году Ривера побывал в Советском Союзе. И там не обошлось без скандала. Относясь без должного почтения к социалистическому реализму и всячески уважая «ремесло», Ривера поддержал Союз бывших иконописцев и подписал манифест октябрьской группы художников-троцкистов. Его выдворили из страны — факт, который он скрыл после возвращения в Мексику, где продолжал изображать разложившихся капиталистов и классовую борьбу индейцев.

Примерно в это же время начало истекать терпение мексиканских властей по отношению к коммунистической партии, а сама партия стала рушиться изнутри. Диего «вычистили» из рядов. Теперь у него не было поддержки ни у правых, ни у левых… Зато им заинтересовались американцы. И в1930 году он покидает Мексику.

Культура США произвела на художника неизгладимое впечатление, но вскоре он понял, что ограничение на творчество накладывает и мир капитала. Одну из своих фресок он так и не смог закончить – заказчикам не понравилась идеологическая подоплека, они просто разобрали леса и не позволили художнику продолжать.

В середине тридцатых Ривера обращается к станковой живописи, создает много картин и портретов. В сороковых возвращается на Родину и вновь занимается фресками.

Среди его работ, кроме картин, следует упомянуть росписи на стенах
— министерства просвещения (1923-1929)
— министерства здравоохранения (1930),
— Национального дворца (1929-50-е годы),
— отеля «Прадо» в Мехико (1947-48),
— Национальной с.-х. школы в Чапинго (1926-27),
— дворца Кортеса в Куэрнаваке (1930),
— института искусств в Детройте (1933)
— театра «Инсурхентес» (1951-53),
— Олимпийского стадиона (1952-1953).

Умер Диего Ривера 25 ноября 1957 года в Мехико. Жизнь его была длинна и насыщена, впрочем, как и полагается настоящему художнику.

Источник: http://lichnosti.net/people_3764.html

Автор:pragmatik

Марк Ротко. Художники мира. США

Марк Ротко

25 сентября 1903 года в городе Двинск (ныне Даугавпилс ) — 25 февраля 1970 года в Нью-Йорке

Первоначально Марк Ротко рисовал в самых простых стилях. Это были обычные пейзажи природы или портреты, а потом со временем он начал все чаще меняться в творчестве. Его художественную деятельность можно разделить на несколько этапов:

  • 20-30 гг. традиционное творчество.
  • 30-37 гг. увлечение древнегреческими традициями и античными мифами.
  • 40-48 гг. под влиянием европейского сюрреализма начинает рисовать по-новому.
  • 49-50 гг. переход к известному для себя стилю – абстрактному экспрессионизм.
  • 50-55 гг. композиции прямоугольного формата, в которых форму объединены колористической гаммой.
  • 55-60 гг. полуабстрактные формы из отдельных полос с разными цветовыми зонами.

Шедевры Марка Ротко вошли в историю и продолжают продаваться на мировых аукционах за миллионы долларов. Некоторые из лучших картин расположены в разных городах планеты, что в очередной раз подчеркивает необычный талант американского экспрессиониста. Ниже представляем вашему вниманию описание нескольких самых ярких из них:

В Хьюстоне была создана Часовня Ротко, которая завораживает своей атмосферой, созданной за счет наполнения художественными произведениями великого художника. Человек, который посещает это место, сразу не понимает, где же расположены шедевры, которые очень гармонично расставлены. По замыслам творцов этого места планировалось воспроизвести ощущение узника, который смотрит в небо в надежде на свободу.

В Лос-Анджелесе в современном музее искусства находится картина под названием «Белый центр», хотя на ней абсолютно нет белых цветов. Более чем за 70 миллионов она была продана на аукционе.

белый-центр

 

В Лондоне можно увидеть один из самых мрачных шедевров под названием «Черное на темно-бордовом». Эта картина вошла в историю также тем, что один из эмигрантов из Польши написал на ней краской свое имя, за что был отправлен в заключение на два года. Данное произведение писалось в период депрессии художника, что выражено в виде темных тонов и мрачной сути.

В Нью-Йорке имеется картина великого художника Марка Ротко, которая имеет название «Четыре отметины на красном». Располагается она в Музее американского искусства Уитни. Она также относится к мрачным картинам и эпохе большой депрессии. Выполнена она в лучших традициях экспрессионизма и часто поддавалась разной критике со стороны мировых специалистов.

Галерея Национального искусства в Вашингтоне имеет удивительное произведение искусства, автором которого также есть Ротко и называется оно «Это о смерти». Именно после написания данной картины он покончил жизнь самоубийством. Этот момент по-особому привлекает туристов к шедевру, будто завораживает, а ценители искусства с трепетом оценивают и восхищаются возможностями американского художника.

 

Источник:

http://allpainters.ru/rotko-mark.html

http://gallerix.ru/storeroom/697135449/

http://ppolih.narod.ru/index/0-2

 

Автор:pragmatik

Норман Роквелл. Художники мира. США

Норман Рокуэлл

3 февраля 1894 г., Нью-Йорк, Нью-Йорк, США — 8 ноября 1978 г. (84 года), Стокбридж,США

 Норман Роквелл

Американский художник и иллюстратор. Его работы пользуются популярностью в Соединённых Штатах, на протяжении четырёх десятилетий он иллюстрировал обложки журнала The Saturday Evening Post.
За свою жизнь, Норманн Рокуэлл (Norman Rockwell) создал более четырех тысяч картин. Перед тем, как создавать новый шедевр, мастер часто прибегал к услугам фотографов. Причем, постановкой будущих изображений занимался именно он сам.

За время своей жизни Норман Рокуэлл (Norman Rockwell) стал самым любимым художником-иллюстратором Америки и остается им и сегодня. Норман никогда не жаждал становиться пилотом, солдатом или пожарным как другие его сверстники, он всегда хотел быть художником, и, благодаря упорной работе и старательности, его мечта воплотилась в реальность. Создается впечатление, что мировой рекорд Рокуэлла по созданию обложек для одного журнала (а именно, более чем 300 обложек для «The Saturday Evening Post») останется непревзойденным.
В этих светлых и веселых картинах отражена жизнь американского общества начала двадцатого века. Иронические красочные иллюстрации выполняют главную миссию – прославляют Америку, громко возвещая об американской мечте. Норман Рокуэлл оказался способен смотреть с улыбкой на жизнь.
Источник:
http://re-actor.net/
http://openyourpage.ru/

 

Автор:pragmatik

Эдуар Вюйар. Художники мира. Франция

Эдуар Вюйар

11 ноября 1868, Кюизо (Сона-и-Луара) — 21 июня 1940, Ла Боле (Луара))
Когда в конце 80-х годов XIX века французские импрессионисты уже перестали быть новостью, появились молодые таланты, которые в своем искусстве делали упор на экспрессию и декоративные качества картин. В это время изобразительное искусство отходит от дословности, ищет соединения чувства и настроения, неуклонно продвигаясь, таким образом, в сторону абстракции. Несколько молодых парижских художников, увлеченных Гогеном и японской графикой, основали группу «Наби» («пророки»). Сегодня наиболее известным членом этой группы является, пожалуй, Боннар, другие художники, заслуживающие не меньшего внимания, оказались в тени. Среди них и теоретик движения Морис Дени, и его однокашник по парижскому лицею Эдуар Вюйар.

Вюйара часто причисляют к неким «интимистам». Собственно, кроме него, наверно, никаких «интимистов» и не было, но создается впечатление, что он основал целое направление в искусстве. На самом деле, это не так, просто его картины, даже, если это пейзажи, представляют собой ограниченные обжитые пространства, наполненные каким-то особым французским уютом. Это не тапочки у кровати, а нечто на  грани образа и чувства, о чем по-русски и сказать видимо нельзя. Что-то подобное было у раннего Дени, но он от этого отказался в пользу классицизма, и Вюйар после 1900 года, когда группа «Наби» распалась, ушел от своих новаций в чистый импрессионизм, но в 80-е и 90-е годы позапрошлого века, он, наверно, как никто другой был близок к абстракции.

Вся долгая жизнь Вюйара была связана с уютным миром женщин, нарядов, драпировок, тесных квартирок и маленьких площадей. Он его не расширял, а углублял и исследовал, и в этом проявился его талант.

Родился Эдуар Вюйар в маленьком городке Кюизо, в предгорьях Юры, недалеко от швейцарской границы. Отец его, Оноре Вюйар, был капитаном морской пехоты, но когда-то изучал живопись в Париже. Он умер, когда Эдуару исполнилось уже двадцать лет. Но с самого детства Эдуар оказался, главным образом, под влиянием женщин —  матери, бабушки и старшей сестры. Его старший брат Александр выбрал военную карьеру, и рано покинул дом. А Эдуар остался в семье, и вместе с ней переехал в Париж.

Эдуар жил с матерью до 60 лет, до самой ее смерти. Она была портнихой и немного модисткой, и потому с ранних лет Эдуара окружал  мир тканей и нарядов. Это ему нравилось. Он был тихим, симпатичным человеком, но иногда его переполняли эмоции, которые требовали творческого выхода, поэтому он предпочел военную карьеру искусству.

В лицее Кондорсе, где однокашниками Эдуара были Морис Дени и Кер-Ксавье Руссель (в будущем также живописец и муж старшей сестры Вюйяра), он утвердился в своем желании стать художником. Он поступает сначала в художественное училище, где встречает Пьера Боннара, а затем в парижскую академию Жюлиан. В 1888 Вюйар присоединяется к группе «Наби», и участвует в общей выставке.

Сначала он писал только интерьеры, потом стал вводить в них женщин. Постепенно его картины становились все больше и больше, и наконец выросли до размеров панно. Одновременно Вюйяр работал над портретами представителей преуспевающих французских буржуа, что давало ему средства к существованию. Все это время его творчество оставалось в достаточной степени фигуративным, но иногда он был уже на грани абстракции.

Он много путешествовал, изучал искусство в разных городах Европы — Венеции, Флоренции, Милане, Лондоне. Ездил в Испанию. Но больше всего любил проводить лето среди неброских пейзажей Нормандии и Бретани.

Искусство Вюйара, варьировавшее узкий круг тем, привлекательно свежей непосредственностью восприятия повседневной жизни, тонкой эмоциональностью, цветовой и ритмической выразительностью силуэтов, изысканной гармонией матовых, как бы вибрирующих красок преимущественно родственных друг другу переходных оттенков.

Как и другие «набисты» Вюйар уже в начале 80-х годов XIX века был связан с окружением журнала символистов и новаторов в поэзии, театре и искусстве «La Revue Blanche», который редактировали выходцы из Польши братья Натансон. Мися Годебска, жена младшего из них, Тадеуша, стала музой Вюйара и героиней многих его картин. В 90-е годы Вюйяр оформляет интерьеры и создает панно, на которых изображает сады и парки. Серия «Сады» 1894 г., созданная для декорации гостиной Александра Натансона, становится поворотным моментом в его творчестве. Вийару удается с помощью специальной клейкой краски создать эффект матовости, напоминающий фреску. В это время он интенсивно работает и над театральными декорациями.

Впереди у него долгая жизнь, но интересных находок уже будет все меньше. После Первой мировой войны в его творчестве доминируют, главным образом, женские портреты — это дамы света. Его работы спокойны и солидны. Всего он создал более 3000 картин.

Умер Эдуар Вюйар в Бретани, перед самой Второй мировой войной, когда понял, что его уютный мир рушится.

Источник: http://rockkent.narod.ru/

Автор:pragmatik

дега. эдгар дега. Художники мира. Франция

Эдгар Дега (1834—1917) — самый классичный из импрессионистов. Он учился в Школе изящных искусств под руководством одного из учеников прославленного художника Энгра, поклонника искусства античности и в целом классической живописи. Учитель оказал на Дега большое влияние, которое так или иначе он пронес через весь свой творческий путь. Окончив Школу, Дега поехал в Италию учиться у старых мастеров: Беллини, Боттичелли и других, копируя их полотна.

В 1862 году в залах Лувра произошло знакомство Дега с Эдуардом Мане, изменившее всю его жизнь. Через него он знакомится с будущими импрессионистами — Моне и Ренуаром. Сближение с импрессионистами ознаменовало начало нового этапа творчества художника. Однако все же прежняя выучка по-прежнему давала о себе знать. Если импрессионисты считали важнейшим своим принципом писать картину с натуры, то к Дега это не относится. Он любил повторять, что следует «наблюдать не рисуя, а рисовать не наблюдая». Дега не одобрял стремления импрессионистов работать на пленэре. Вообще, у него с ними было не так уж много общего. С ними его сближало желание отойти от академических шаблонов, обращение к темам современной жизни, правдивое изображение мгновений живой жизни. Названия его картин говорят сами за себя: «Урок танца», «Раненый жокей», «Гладильщица», «Жокеи перед трибунами», «У модистки» и др.

Дега любил изображать людей, особенно женщин, но не позирующих в застывшей позе, а словно бы застигнутых врасплох за своими занятиями, в характерных для них позах, с присущими им жестами. Темой балета художник увлекся в 1870-е годы. Изображая танцовщиц, художник стремится запечатлеть их не на сцене во всем блеске, нет, он предпочитает показать нам трудовые закулисные будни. Таковы картины «Танцовщицы на репетиции» (1874?), «Танцовщица у фотографа» (1875), «Ожидание» (1880), «Две танцовщицы» (1898) и др. Однажды в ответ на вопрос, почему он так часто обращается к теме балета, он неохотно откликнулся: «Меня называют живописцем танцовщиц; не понимают, что танцовщицы послужили мне лишь предлогом писать красивые ткани и передавать движения».

С 1870-х годов он увлекся пастелью, сочетающей в себе качества живописи и графики одновременно. Эта техника подходила к художественным вкусам Дега, преклонявшегося перед линией. «Я колорист посредством линии», — говаривал он. Импрессионисты же молились другому богу — цвету.

Источник: Музеи мира

Автор:pragmatik

эрарта. Музеи Санкт-Петербурга

эрарта

Адрес: Россия, г. Санкт-Петербург, ул. Васильевский остров, 29-я линия, дом 2

Режим работы: 10:00-22:00, выходной день — вторник

Официальный сайт музея Эрарта — http://www.erarta.com/

Эраррта — это самый крупный частный музей в России. Коллекция музея современного искусства Эрарта насчитывает более 2300 работ более 250 художников из десятков городов России. Все работы в коллекции созданы с 1945 года по сегодняшний день (contemporary art). Для этого искусства характерно разнообразие его видов — живопись, коллаж, скульптура, объект, инсталляция, видеоарт, science art, и все они представлены в музейной коллекции Эрарты. Еще одна ее особенность — география проживания авторов ее работ.

С течением времени contemporary art становится классикой — как случилось с творчеством, например, Энди Уорхола, и многие из работ в коллекции Эрарты, большинство из которых создано ныне живущими российскими авторами, тоже имеют все шансы войти в историю искусства.

Автор:pragmatik

русский музей. Музеи Санкт-Перербурга

русский музей

Государственный русский музей. Михайловский дворец

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Инженерная улица, дом 4 Корпус Бенуа

Адрес: Набережная канала Грибоедова, дом 2

Телефон: +7 (812) 595 42 48

Официальный сайт Государственного русского музея www.rusmuseum.ru

Метро: Гостиный двор Метро 2: Невский проспект

Открыт в 1898 году как «Императорский музей русского искусства Александра III», с 1917 года переименован в «Государственный Русский музей». В экспозиции музея представлены памятники иконописи Древней Руси, коллекции произведений русского изобразительного искусства и ремесел 18-20 веков.

Автор:pragmatik

музей штиглица. Музеи Санкт-Петербурга

штиглиц, академия штиглица, музей штиглица

Музей прикладного искусства Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии имени А. Л. Штиглица

Адрес: Россия, Санкт- Тетербург, Соляной переулок, дом 13-15 Телефон: +7 (812) 273 32 58

Официальный сайт музея им. Штиглица www.stieglitzmuseum.ru

Метро: Невский проспект Метро 2: Гостиный двор Метро 3: Чернышевская

Автор:pragmatik

эрмитаж санкт петербург

эрмитаж санкт петербург  Государственный Эрмитаж

Адрес: Россия, Санкт-петербург, Дворцовая площадь, дом 2

Телефон: +7 (812) 710 90 79

Официальный сайт Эрмитаж www.hermitagemuseum.org

Метро: Адмиралтейская Метро 2: Невский проспект

 

Эрмитаж в Санкт-Петербурге – один из самых крупных и известнейших музеев мира, обладает коллекцией более 3 000 000 экспонатов и стоит в одном ряду с такими музеями как Лувр, Метрополитен и Британский музей.

Началом музея послужила коллекция из 225 картин, которую в 1764 году императрица Екатерина II получила в счет долга от немецкого купца Гоцковского. Картины западноевропейских мастеров были размещены в залах Малого Эрмитажа. Сегодня коллекция Эрмитажа — одна из крупнейших в мире, а многие ее экспонаты считаются шедеврами.

Автор:pragmatik

Музеи России. Иваново. Выставочный зал ТО «Классика»

Выставочный зал творческого объединения «Классика»

официальный сайт ТО «Классика»

Ежемесячно галерея «Классика» дарит зрителям радость общения с уникальными и прекрасными полотнами. Заведует галереей музейщик с многолетним стажем, заслуженный работник культуры Вера Васильевна Коровина.

 

Яндекс.Метрика