Архив за год 2015

Автор:pragmatik

Левитан Исаак Ильич 1860-1900. Художники мира. Россия

«Почему я один? Почему женщины, бывшие в моей жизни, не принесли мне покоя и счастья? Быть может потому, что даже лучшие из них — собственники. Им нужно все или ничего. Я так не могу. Весь я могу принадлежать только моей тихой бесприютной музе, все остальное — суета сует… Но, понимая это, я все же стремлюсь к невозможному, мечтаю о несбыточном…» (Левитан И.И.)

Исаак Ильич Левитан, наш великий и неповторимый пейзажист родился 18 августа (30 августа по старому стилю) 1860 года на западной окраине России в небольшой безымянной деревеньке близ железнодорожной станции Кибарты (неподалеку от пограничного городка Вержболово) в образованной, интеллигентной, но бедной еврейской семье. Дед его был раввином. Отец Исаака также учился в раввинском училище, но, вероятно, на волне ассимиляционных и просветительских стремлений, типичных для населения тех мест в эпоху реформ (вторая половина 1850-х — начало 1860-х годов), отказался от пути религиозного подвижничества. Став учителем иностранных языков, он давал уроки в частных домах, а также работал переводчиком, кассиром и контролером на железнодорожных станциях.

подробнее сайт: http://isaak-levitan.ru/

Автор:pragmatik

Рембрандт Харменс Ван Рейн. Художники мира. Голландия

Рембрандт Харменс Ван Рейн родился 15 июля 1606 года в Лейдене. Его отец был мельником, видимо, достаточно богатым, чтобы дать сыну хорошее образование и устроить его в 1620 году в Лейденский университет. Но Рембрандт проучился недолго — решил стать художником. Три года он работает подмастерьем у одного лейденского художника, а затем полгода учится живописи у Питера Ластмана в Амстердаме. Ластман, искусный мастер, обучавшийся в Италии, познакомил Рембрандта с эффектом светотени, применяющейся для передачи объемности и раскрытия драматизма действия. Этот прием станет главным в творчестве художника. Последующие годы Рембрандт работает в Лейдене, снискав репутацию мастера библейских и мифологических сцен. В 1631 или в начале 1632 года переезжает в Амстердам, где сразу приобретает известность, написав «Урок анатомии доктора Тюльпа». Он живет у торговца картинами Хендрика ван Эйленбюрха, который покровительствует ему, устраивает заказы на портреты, что создает молодому художнику репутацию модного преуспевающего мастера. В 1634 году Рембрандт удачно женился на племяннице Хендрика Саскии, а к 1639 году вместе с женой приобрел в столице великолепный дом. До начала 1640-х гг. он пользуется большим успехом у заказчиков, это время его личного благополучия. В знаменитом шедевре этого периода — «Автопортрете с Саскией на коленях» (около 1635, Картинная галерея, Дрезден) Рембрандт изобразил себя с молодой женой за праздничным столом. Нежные переливы золотистых тонов, потоки света, пронизывающие картину, передают радостное настроение молодого и преуспевающего художника и его жены, полных надежд и мечтаний.

После 1640-х годов личная жизнь Рембранта становится запутанной, хотя дошедшие до нас свидетельства чрезвычайно трудно интерпретировать. В 1642 году он нанял няню для Титуса — вдову Гертье Диркс. В 1649 году она подала на Рембрандта в суд за нарушение договора, а спустя год оказалась в тюрьме, причем на содержании художника. Была ли то щедрость с его стороны или, напротив, он нарочно упрятал Гертье за решетку, этого нам не суждено узнать. Свидетельница судебной распри — молодая служанка Хендрикье Стоффельс, поступившая в работницы к Рембрандту около 1647 года. Она вполне могла стать причиной его разрыва с Гертье. Во всяком случае, до самой смерти художника она оставалась его экономкой и возлюбленной. С нежностью выписанное лицо на картине «Вирсавия» и на многих других не менее известных работах 50-х годов, несомненно, лицо Хендрикье. Есть основания полагать, что она была верной спутницей Рембрандта и пользовалась его доверием. В 1654 году Хендрикье забеременела. Местная протестантская церковь осудила ее, но вскоре девушку оставили в покое. В октябре 1654 года она родила Рембрандту дочь Корнелию.

В начале 50-х годов художник создает один шедевр за другим. Он уже вышел из моды, но богатые заказчики не переводились. Так что банкротство, постигшее Рембрандта в 1656 году, вероятно, следствие неправильного ведения дел, в результате чего в 1660 году был продан дом. Титус и Хендрикье создают компанию и приглашают Рембрандта работать для них, чтобы их картины не попали в руки кредиторов. Пришлось перебраться на окраину Амстердама. На фоне подобных человеческих страстей и неустроенности в конце творческого пути Рембрандт пишет грандиозное полотно «Возвращение блудного сына» (около 1668-1669, Эрмитаж). Евангельскую притчу о юноше, который ушел из дома, растратил состояние и жалким, оборванным, униженным вернулся к отцу, художник наполняет глубоко человеческим содержанием. Благородная идея любви к страдающему человеку раскрыта здесь в поразительных по жизненной убедительности образах. Лицо старого полуслепого отца и жест его рук выражают бесконечную доброту, а фигура сына в грязном рубище, прильнувшая к отцу, — искреннее и глубокое раскаяние. Пожалуй, ни одно другое полотно Рембрандта не вызывает столько глубоких и сострадательных чувств. Рембрадт учил своих зрителей любви и прощению. В дальнейшем, в последние годы и месяцы, жизнь Рембрандта протекает внешне спокойно. Пережив Хендрикье и Титуса он умер 4 октября 1669 года.

Источник: http://rembr.ru/

Автор:pragmatik

Карел Фабрициус. Художника мира. Голландия

Из всех учеников Рембрандта только Фабрициус смог выработать оригинальную художественную манеру. В отличие от Рембрандта, достигшего в своих портретах совершенства в передаче игры светотеней преимущественно на темном фоне, Карел Фабрициус располагал модель на слегка подсвеченном фактурном фоне, придавая большое значение технической стороне передачи света и очертаний объектов на холсте с помощью холодной цветовой гаммы. Его интересовали и сложные пространственные эффекты, что отражается в «Делфтском пейзаже» (1652) с его акцентированной перспективой, и эксперименты в технике импасто, с сочным мазком, выполненным щедро пропитанной краской кистью («Щегол», 1654). Всё это сближает его манеру с техникой более поздних знаменитых художников из Делфта — Вермеером и де Хохом, на которых он, несомненно, оказал влияние.

Карел Питерс родился в 1622 году в Мидден Бемстере близ Гааги в семье учителя. По одной из версий, псевдоним «Фабрициус» (от лат. faber — «плотник») обусловлен тем, что в юности Карел обучался соответствующему ремеслу[2]. В начале 1640-х годов вместе со своим братом Барентом Фабрициусом учился в студии Рембрандта в Амстердаме, работал сначала в этом городе, однако в 1643 году после смерти жены и детей вернулся в Мидден Бемстер. В 1650 году женился вторично и поселился в Делфте, где через два года стал мастером гильдии Св. Луки. Постепенно обрёл популярность в качестве мастера стенных росписей (не сохранились), а также портретиста. В 1654 году погиб вместе со всей своей семьёй при взрыве пороховых складов, разрушившем целый городской квартал и  его работы.

В музеях мира сегодня хранится  17 полотен Фабрициуса, с большей или меньшей вероятностью приписываемых художнику.

Автор:pragmatik

Винсент ван Гог 1853 — 1890 Художники мира. Нидерланды/Голландия.

Винсент ван Гог

нидерландский художник (30.03.1853 — 29.07.1890)

Голландский период (1881-1886)

Винсент ван Гог, сын пастора, не получил в молодости профессионального образования и переменил ряд профессий, не имевших отношения к искусству. В 1869-76 служил комиссионером фирмы по торговле произведениями искусства и путешествовал по Европе, в 1876 был учителем в Англии. С мая 1877 по октябрь 1880 обучался в миссионерской школе в Лакене (около Брюсселя) и занимался проповеднической деятельностью среди горняков Боринажа (Бельгия), где, осознав свое художественное призвание, начал систематически рисовать. Отсюда выезжал в Брюссель, жил в Эттене, Гааге (1882-83), где пользовался советами А. Мауве, Нюэнене (1884-85), Антверпене (1885-86), где посещал классы Академии художеств и частную школу рисунка, изучал живопись старых мастеров.

Увлекаясь поначалу рисунком, Ван Гог лишь в 1881 обратился к живописи маслом. Сюжеты полотен этого времени связаны с суровой природой и бытом земледельцев Брабанта («Едоки картофеля», 1885, Музей Ван Гога, Амстердам), трудом ткачей Нюэнена («Ткач», 1884, Музей Бойманса ван Бейнингена, Роттердам). Образны в своем повествовании натюрморты с изображением домашней утвари и привычных предметов («Натюрморт с трубкой и шляпой», 1885, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло). Глубокого философского содержания полно полотно «Натюрморт с книгой и Библией» (1885, Музей Ван Гога), повествующее о пасторской деятельности умершего отца. Немногочисленные пейзажи («Аллея тополей в Нюэнене», 1885, Музей Бойманса ван Бейнингена) передают виды Голландии с тополями и ветлами у дорог, морского побережья. Обращение к национальной традиции сочетается с интересом к передаче силы и гармонии цвета, разработке его контрастных сочетаний, несмотря на общую темную гамму полотен этого периода.

Парижский период (март 1886 — февраль 1888)

Для этого периода характерно резкое изменение манеры художника. Интерес к проблемам колорита, выразительной экспрессии мазка усиливается у Ван Гога под влиянием знакомства с живописью импрессионистов, теорией дополнительных цветов пуантилистов, пастозной бравурной манерой А. Монтичелли. Полотна «Бульвар Клиши» и «Сады Монмартра» (оба — 1887, Музей Ван Гога), написанные легкими раздельными импрессионистическими мазками, насыщенными переливчатыми сочетаниями красок, передают яркие краски парижской весны. Энергичные мелкие пуантилистские мазки в натюрморте «Фритилярии в медной вазе» (1887, Музей Ван Гога) образуют подвижное цветовое марево. В этот период художника начинает увлекать яркая красочность и непосредственность изображения природы и человека в японской гравюре. Увлечение ею проявляется в живописной манере портрета парижского торговца гравюрами «Папаша Танги» (1887, Музей Родена, Париж) и пейзажа «Поле пшеницы с жаворонком» (1887, Музей Ван Гога).

В это время в портретном творчестве Ван Гога преобладают автопортреты (около 23-х). Они отражают его изменчивую внутреннюю жизнь, череду самопознания. В «Автопортрете в серой фетровой шляпе» (1887, Музей Ван Гога), исполненном в темной гамме, характерной для голландского периода, «Автопортрете в галстуке и сюртуке» (1887, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло) и «Автопортрете в голубой куртке с палитрой и мольбертом» (1887, Музей Ван Гога) художник изображает себя то элегантным парижанином, то пастором, то художником. Выразительная мимика лица, тонкая нюансировка аксессуаров в сочетании с вариациями немногих ярких контрастных цветов создают образ человека открытой и легко ранимой души.

Арльский период (февраль 1888 — май 1889)

Период работы на юге Франции был самым плодотворным. Слова художника «жизнь искать в цвете» стали лейтмотивом его творчества. Полный радостного цветения предстает природа Прованса в написанных в светлой гамме методом «алла прима» полотнах «Цветущая слива» (1887, Музей Ван Гога) и «Ветка цветущего миндаля в стакане» (1888, там же). В серии марин, исполненных в Сент Мари-сюр-Мер, около Арля («Море в Сент Мари», 1888, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва), видах Роны («Мост Ланглуа», 1888, Музей Вальраф Рихартц-Людвиг, Кельн) пространство передано по-импрессионистически фрагментарно. Трактованный с высоты птичьего полета, как в японских гравюрах, вид равнинного Прованса и зеленых холмов Монтмажура в пейзаже «Долина Ла Кро» (1888, Музей Ван Гога) написан энергичными пастозными движениями кисти, свидетельствующими уже об отходе от импрессионистической техники и обретении собственной живописной манеры. Ван Гог ищет эмоционально сильные сочетания цветов — желтого (в серии натюрмортов «Подсолнухи») и красного («Красные виноградники в Арле», 1888, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва), наделяя их особой пластической выразительностью цвета. Загадочны и полны тревожного предчувствия красно-желтая и сине-желтая гаммы полотен с видами ночного Арля («Ночное кафе», 1888, Художественная галерея Йельского университета, Нью Хейвен; «Терраса кафе ночью», 1888, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло).

Утверждение собственной живописной манеры и одновременно интерес к технике клуазонизма П. Гогена присущи полотну «Арльские дамы» (1888, Эрмитаж). Очерченные темным контуром цветовые зоны создаются, однако, не гладкой живописью, как у Гогена, а выпуклыми сочными мазками, напоминающими кубики мозаики. О произошедшем в Арле трагическом разрыве между художниками повествует полотно «Кресло Гогена» (1888, Музей Ван Гога) и «Стул Ван Гога» (1888, Галерея Тейт, Лондон). В концентрированной форме они выражают умение художника синтезировать натуру.

Поздний период (май 1889 — июль 1890)

В период между участившимися душевными кризисами, которые привели Ван Гога в больницу для душевнобольных, художник находит спасение в живописи. В Сен Реми, неподалеку от Арля, им были созданы самые выдающиеся произведения. В минуты душевной тревоги были написаны серии пейзажей с оливами («Оливовая роща», 1889, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло) и кипарисами («Дорога с кипарисами и заездой», 1890, там же) с искривленными стволами деревьев. Вихрящиеся очертания земли в картине «Овраг Пейруле» (1889, там же) словно готовы разрушить структуру полотна. Наряду с этими работами — полные просветленного и спокойного мироощущения холсты «Куст» (1889, Эрмитаж) и «Доктор Рэй» (1889, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). Одно из самых трагически звучащих полотен «Прогулка заключенных» (1890, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва) по гравюре Доре передает чувство безысходности, ощущаемое художником.

Работы, написанные после переезда в Овер-сюр-Уаз (провинция Иль-де-Франс) в окрестностях Парижа, свидетельствуют о том, сколь эмоционально глубоко передавал Ван Гог состояния природы. Сумрачные цветовые сочетания, деформированные деревья и архитектурные объемы в полотнах «Часовня в Овере» (1890, Лувр), «Вороны в пшеничном поле» (1890, Музей Ван Гога), «Хижины» (1890, Эрмитаж) рождают гнетущее настроение. Напротив, в картине «Пейзаж в Овере после дождя» (1890, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва) свежо и лирично переданы мягкий солнечный свет и прозрачный воздух Иль-де-Франса, ощущение простора вспаханного поля. Совершенно не несет в себе предощущения трагедии и портрет «Доктор Гаше» (1890, Лувр). Гармонии и доброты полон образ человека, смотрящего на мир с такой же искренностью, как и художник.

В момент душевного кризиса художник смертельно ранил себя из револьвера и был похоронен в Овере.

Среди мастеров постимпрессионизма Ван Гогу принадлежит особое место. Его повышенное эмоциональное восприятие мира было созвучно многим художественным начинаниям 20 века, открывало новые пути постижению реальности.

 

Автор:pragmatik

Диего Ривера. Художники мира. Мексика

Диего Ривера. Художники мира. Мексика

Диего Ривера

8 декабря 1886 года Гуанахуато — 25 ноября 1957 года Мехико

 Диего Ривера – коренной мексиканец. Родился 8 декабря 1886 года в Гуанахуато на северо-западе Мексики. В 10 лет он начал обучение в Академии художеств Сан-Карло в Мехико.

С 1907-го по 1921 год юный художник путешествовал по Европе. Учился в академии художеств в Мадриде, жил и работал в Париже, посетил Италию, Бельгию, Нидерланды, Великобританию.

В это время складываются эстетические предпочтения художника, и его политические убеждения. В 1913 году между написанием «Портрета Адольфо Бест Могара» и картины «Поклонение Богоматери» совершился переход Риверы к кубизму, позже он оформился в зрелый авторский стиль.

Во время жизни в Париже Диего познакомился с Пабло Пикассо (говорят, что великий художник копировал «Сапатистский пейзаж» Риверы), Альфонсо Рейесом и русскими, не только художниками.

Например, он сводит знакомство с писателем Ильей Эренбургом и эсером-террористом Борисом Савинковым.

Была среди его русских знакомых и Ангелина Белова — талантливый гравер и красивая женщина. Мимо такого сочетания качеств титан мексиканской живописи спокойно пройти не мог, некоторое время они жили вместе. Но Диего Реверо никогда не был верным супругом, следующей его страстью стала художница Мария Воробьева-Стебельская. В итоге он не достался ни одной из них, но у каждой остался букет воспоминаний – от самых нежных до самых мрачных, была там и любовь, и поножовщина, и бурные сцены…
Пристрастие Риверы к женщинам, которых он «поглощал» в огромном количестве, художник получил прозвище Людоед.

Политические же искания страстного мексиканца привели его в 1922 году в коммунистическую партию Мексики.

Трудно сказать точно, что думал по поводу революционных событий художник. Но когда прокатилась волна погромов и «первое фресковое движение» захлебнулось, он был единственным художником, оставшимся в Мехико и продолжавшим создавать свои монументальные произведения. Коллеги ему никогда не простили этого, но ему ли было привыкать к сложным отношениям с людьми?

А вот отцом мексиканского движения монументализма он записан во всех энциклопедиях мира.

В 1927 году Ривера побывал в Советском Союзе. И там не обошлось без скандала. Относясь без должного почтения к социалистическому реализму и всячески уважая «ремесло», Ривера поддержал Союз бывших иконописцев и подписал манифест октябрьской группы художников-троцкистов. Его выдворили из страны — факт, который он скрыл после возвращения в Мексику, где продолжал изображать разложившихся капиталистов и классовую борьбу индейцев.

Примерно в это же время начало истекать терпение мексиканских властей по отношению к коммунистической партии, а сама партия стала рушиться изнутри. Диего «вычистили» из рядов. Теперь у него не было поддержки ни у правых, ни у левых… Зато им заинтересовались американцы. И в1930 году он покидает Мексику.

Культура США произвела на художника неизгладимое впечатление, но вскоре он понял, что ограничение на творчество накладывает и мир капитала. Одну из своих фресок он так и не смог закончить – заказчикам не понравилась идеологическая подоплека, они просто разобрали леса и не позволили художнику продолжать.

В середине тридцатых Ривера обращается к станковой живописи, создает много картин и портретов. В сороковых возвращается на Родину и вновь занимается фресками.

Среди его работ, кроме картин, следует упомянуть росписи на стенах
— министерства просвещения (1923-1929)
— министерства здравоохранения (1930),
— Национального дворца (1929-50-е годы),
— отеля «Прадо» в Мехико (1947-48),
— Национальной с.-х. школы в Чапинго (1926-27),
— дворца Кортеса в Куэрнаваке (1930),
— института искусств в Детройте (1933)
— театра «Инсурхентес» (1951-53),
— Олимпийского стадиона (1952-1953).

Умер Диего Ривера 25 ноября 1957 года в Мехико. Жизнь его была длинна и насыщена, впрочем, как и полагается настоящему художнику.

Источник: http://lichnosti.net/people_3764.html

Автор:pragmatik

Марк Ротко. Художники мира. США

Марк Ротко

25 сентября 1903 года в городе Двинск (ныне Даугавпилс ) — 25 февраля 1970 года в Нью-Йорке

Первоначально Марк Ротко рисовал в самых простых стилях. Это были обычные пейзажи природы или портреты, а потом со временем он начал все чаще меняться в творчестве. Его художественную деятельность можно разделить на несколько этапов:

  • 20-30 гг. традиционное творчество.
  • 30-37 гг. увлечение древнегреческими традициями и античными мифами.
  • 40-48 гг. под влиянием европейского сюрреализма начинает рисовать по-новому.
  • 49-50 гг. переход к известному для себя стилю – абстрактному экспрессионизм.
  • 50-55 гг. композиции прямоугольного формата, в которых форму объединены колористической гаммой.
  • 55-60 гг. полуабстрактные формы из отдельных полос с разными цветовыми зонами.

Шедевры Марка Ротко вошли в историю и продолжают продаваться на мировых аукционах за миллионы долларов. Некоторые из лучших картин расположены в разных городах планеты, что в очередной раз подчеркивает необычный талант американского экспрессиониста. Ниже представляем вашему вниманию описание нескольких самых ярких из них:

В Хьюстоне была создана Часовня Ротко, которая завораживает своей атмосферой, созданной за счет наполнения художественными произведениями великого художника. Человек, который посещает это место, сразу не понимает, где же расположены шедевры, которые очень гармонично расставлены. По замыслам творцов этого места планировалось воспроизвести ощущение узника, который смотрит в небо в надежде на свободу.

В Лос-Анджелесе в современном музее искусства находится картина под названием «Белый центр», хотя на ней абсолютно нет белых цветов. Более чем за 70 миллионов она была продана на аукционе.

белый-центр

 

В Лондоне можно увидеть один из самых мрачных шедевров под названием «Черное на темно-бордовом». Эта картина вошла в историю также тем, что один из эмигрантов из Польши написал на ней краской свое имя, за что был отправлен в заключение на два года. Данное произведение писалось в период депрессии художника, что выражено в виде темных тонов и мрачной сути.

В Нью-Йорке имеется картина великого художника Марка Ротко, которая имеет название «Четыре отметины на красном». Располагается она в Музее американского искусства Уитни. Она также относится к мрачным картинам и эпохе большой депрессии. Выполнена она в лучших традициях экспрессионизма и часто поддавалась разной критике со стороны мировых специалистов.

Галерея Национального искусства в Вашингтоне имеет удивительное произведение искусства, автором которого также есть Ротко и называется оно «Это о смерти». Именно после написания данной картины он покончил жизнь самоубийством. Этот момент по-особому привлекает туристов к шедевру, будто завораживает, а ценители искусства с трепетом оценивают и восхищаются возможностями американского художника.

 

Источник:

http://allpainters.ru/rotko-mark.html

http://gallerix.ru/storeroom/697135449/

http://ppolih.narod.ru/index/0-2

 

Автор:pragmatik

Норман Роквелл. Художники мира. США

Норман Рокуэлл

3 февраля 1894 г., Нью-Йорк, Нью-Йорк, США — 8 ноября 1978 г. (84 года), Стокбридж,США

 Норман Роквелл

Американский художник и иллюстратор. Его работы пользуются популярностью в Соединённых Штатах, на протяжении четырёх десятилетий он иллюстрировал обложки журнала The Saturday Evening Post.
За свою жизнь, Норманн Рокуэлл (Norman Rockwell) создал более четырех тысяч картин. Перед тем, как создавать новый шедевр, мастер часто прибегал к услугам фотографов. Причем, постановкой будущих изображений занимался именно он сам.

За время своей жизни Норман Рокуэлл (Norman Rockwell) стал самым любимым художником-иллюстратором Америки и остается им и сегодня. Норман никогда не жаждал становиться пилотом, солдатом или пожарным как другие его сверстники, он всегда хотел быть художником, и, благодаря упорной работе и старательности, его мечта воплотилась в реальность. Создается впечатление, что мировой рекорд Рокуэлла по созданию обложек для одного журнала (а именно, более чем 300 обложек для «The Saturday Evening Post») останется непревзойденным.
В этих светлых и веселых картинах отражена жизнь американского общества начала двадцатого века. Иронические красочные иллюстрации выполняют главную миссию – прославляют Америку, громко возвещая об американской мечте. Норман Рокуэлл оказался способен смотреть с улыбкой на жизнь.
Источник:
http://re-actor.net/
http://openyourpage.ru/

 

Автор:pragmatik

Эдуар Вюйар. Художники мира. Франция

Эдуар Вюйар

11 ноября 1868, Кюизо (Сона-и-Луара) — 21 июня 1940, Ла Боле (Луара))
Когда в конце 80-х годов XIX века французские импрессионисты уже перестали быть новостью, появились молодые таланты, которые в своем искусстве делали упор на экспрессию и декоративные качества картин. В это время изобразительное искусство отходит от дословности, ищет соединения чувства и настроения, неуклонно продвигаясь, таким образом, в сторону абстракции. Несколько молодых парижских художников, увлеченных Гогеном и японской графикой, основали группу «Наби» («пророки»). Сегодня наиболее известным членом этой группы является, пожалуй, Боннар, другие художники, заслуживающие не меньшего внимания, оказались в тени. Среди них и теоретик движения Морис Дени, и его однокашник по парижскому лицею Эдуар Вюйар.

Вюйара часто причисляют к неким «интимистам». Собственно, кроме него, наверно, никаких «интимистов» и не было, но создается впечатление, что он основал целое направление в искусстве. На самом деле, это не так, просто его картины, даже, если это пейзажи, представляют собой ограниченные обжитые пространства, наполненные каким-то особым французским уютом. Это не тапочки у кровати, а нечто на  грани образа и чувства, о чем по-русски и сказать видимо нельзя. Что-то подобное было у раннего Дени, но он от этого отказался в пользу классицизма, и Вюйар после 1900 года, когда группа «Наби» распалась, ушел от своих новаций в чистый импрессионизм, но в 80-е и 90-е годы позапрошлого века, он, наверно, как никто другой был близок к абстракции.

Вся долгая жизнь Вюйара была связана с уютным миром женщин, нарядов, драпировок, тесных квартирок и маленьких площадей. Он его не расширял, а углублял и исследовал, и в этом проявился его талант.

Родился Эдуар Вюйар в маленьком городке Кюизо, в предгорьях Юры, недалеко от швейцарской границы. Отец его, Оноре Вюйар, был капитаном морской пехоты, но когда-то изучал живопись в Париже. Он умер, когда Эдуару исполнилось уже двадцать лет. Но с самого детства Эдуар оказался, главным образом, под влиянием женщин —  матери, бабушки и старшей сестры. Его старший брат Александр выбрал военную карьеру, и рано покинул дом. А Эдуар остался в семье, и вместе с ней переехал в Париж.

Эдуар жил с матерью до 60 лет, до самой ее смерти. Она была портнихой и немного модисткой, и потому с ранних лет Эдуара окружал  мир тканей и нарядов. Это ему нравилось. Он был тихим, симпатичным человеком, но иногда его переполняли эмоции, которые требовали творческого выхода, поэтому он предпочел военную карьеру искусству.

В лицее Кондорсе, где однокашниками Эдуара были Морис Дени и Кер-Ксавье Руссель (в будущем также живописец и муж старшей сестры Вюйяра), он утвердился в своем желании стать художником. Он поступает сначала в художественное училище, где встречает Пьера Боннара, а затем в парижскую академию Жюлиан. В 1888 Вюйар присоединяется к группе «Наби», и участвует в общей выставке.

Сначала он писал только интерьеры, потом стал вводить в них женщин. Постепенно его картины становились все больше и больше, и наконец выросли до размеров панно. Одновременно Вюйяр работал над портретами представителей преуспевающих французских буржуа, что давало ему средства к существованию. Все это время его творчество оставалось в достаточной степени фигуративным, но иногда он был уже на грани абстракции.

Он много путешествовал, изучал искусство в разных городах Европы — Венеции, Флоренции, Милане, Лондоне. Ездил в Испанию. Но больше всего любил проводить лето среди неброских пейзажей Нормандии и Бретани.

Искусство Вюйара, варьировавшее узкий круг тем, привлекательно свежей непосредственностью восприятия повседневной жизни, тонкой эмоциональностью, цветовой и ритмической выразительностью силуэтов, изысканной гармонией матовых, как бы вибрирующих красок преимущественно родственных друг другу переходных оттенков.

Как и другие «набисты» Вюйар уже в начале 80-х годов XIX века был связан с окружением журнала символистов и новаторов в поэзии, театре и искусстве «La Revue Blanche», который редактировали выходцы из Польши братья Натансон. Мися Годебска, жена младшего из них, Тадеуша, стала музой Вюйара и героиней многих его картин. В 90-е годы Вюйяр оформляет интерьеры и создает панно, на которых изображает сады и парки. Серия «Сады» 1894 г., созданная для декорации гостиной Александра Натансона, становится поворотным моментом в его творчестве. Вийару удается с помощью специальной клейкой краски создать эффект матовости, напоминающий фреску. В это время он интенсивно работает и над театральными декорациями.

Впереди у него долгая жизнь, но интересных находок уже будет все меньше. После Первой мировой войны в его творчестве доминируют, главным образом, женские портреты — это дамы света. Его работы спокойны и солидны. Всего он создал более 3000 картин.

Умер Эдуар Вюйар в Бретани, перед самой Второй мировой войной, когда понял, что его уютный мир рушится.

Источник: http://rockkent.narod.ru/

Автор:pragmatik

дега. эдгар дега. Художники мира. Франция

Эдгар Дега (1834—1917) — самый классичный из импрессионистов. Он учился в Школе изящных искусств под руководством одного из учеников прославленного художника Энгра, поклонника искусства античности и в целом классической живописи. Учитель оказал на Дега большое влияние, которое так или иначе он пронес через весь свой творческий путь. Окончив Школу, Дега поехал в Италию учиться у старых мастеров: Беллини, Боттичелли и других, копируя их полотна.

В 1862 году в залах Лувра произошло знакомство Дега с Эдуардом Мане, изменившее всю его жизнь. Через него он знакомится с будущими импрессионистами — Моне и Ренуаром. Сближение с импрессионистами ознаменовало начало нового этапа творчества художника. Однако все же прежняя выучка по-прежнему давала о себе знать. Если импрессионисты считали важнейшим своим принципом писать картину с натуры, то к Дега это не относится. Он любил повторять, что следует «наблюдать не рисуя, а рисовать не наблюдая». Дега не одобрял стремления импрессионистов работать на пленэре. Вообще, у него с ними было не так уж много общего. С ними его сближало желание отойти от академических шаблонов, обращение к темам современной жизни, правдивое изображение мгновений живой жизни. Названия его картин говорят сами за себя: «Урок танца», «Раненый жокей», «Гладильщица», «Жокеи перед трибунами», «У модистки» и др.

Дега любил изображать людей, особенно женщин, но не позирующих в застывшей позе, а словно бы застигнутых врасплох за своими занятиями, в характерных для них позах, с присущими им жестами. Темой балета художник увлекся в 1870-е годы. Изображая танцовщиц, художник стремится запечатлеть их не на сцене во всем блеске, нет, он предпочитает показать нам трудовые закулисные будни. Таковы картины «Танцовщицы на репетиции» (1874?), «Танцовщица у фотографа» (1875), «Ожидание» (1880), «Две танцовщицы» (1898) и др. Однажды в ответ на вопрос, почему он так часто обращается к теме балета, он неохотно откликнулся: «Меня называют живописцем танцовщиц; не понимают, что танцовщицы послужили мне лишь предлогом писать красивые ткани и передавать движения».

С 1870-х годов он увлекся пастелью, сочетающей в себе качества живописи и графики одновременно. Эта техника подходила к художественным вкусам Дега, преклонявшегося перед линией. «Я колорист посредством линии», — говаривал он. Импрессионисты же молились другому богу — цвету.

Источник: Музеи мира

Автор:pragmatik

эрарта. Музеи Санкт-Петербурга

эрарта

Адрес: Россия, г. Санкт-Петербург, ул. Васильевский остров, 29-я линия, дом 2

Режим работы: 10:00-22:00, выходной день — вторник

Официальный сайт музея Эрарта — http://www.erarta.com/

Эраррта — это самый крупный частный музей в России. Коллекция музея современного искусства Эрарта насчитывает более 2300 работ более 250 художников из десятков городов России. Все работы в коллекции созданы с 1945 года по сегодняшний день (contemporary art). Для этого искусства характерно разнообразие его видов — живопись, коллаж, скульптура, объект, инсталляция, видеоарт, science art, и все они представлены в музейной коллекции Эрарты. Еще одна ее особенность — география проживания авторов ее работ.

С течением времени contemporary art становится классикой — как случилось с творчеством, например, Энди Уорхола, и многие из работ в коллекции Эрарты, большинство из которых создано ныне живущими российскими авторами, тоже имеют все шансы войти в историю искусства.

Яндекс.Метрика